(十九)好技术的基本概念(喀秋莎,行板,康定情歌,视频)

（中国 泗洪）天音吉他 优秀学员 张澜宁 吉他弹唱《喀秋莎》

（中国 泗洪）天音吉他 优秀学员 杨曼 吉他演奏《行板》

（中国 泗洪）天音吉他 优秀学员 杨曼 吉他演奏《康定情歌》

（古典吉他演奏最困难之处就是线条和歌唱性，这是弹拨乐器的性能所致，键盘乐器也有类似的短板。提琴有弓法，管乐有气息，都和声线近似。吉他弹奏要在连奏和气息上下功夫，才会有生动鲜活的音乐产生，否则就是机械而生硬的。其实作为常用的伴奏乐器，吉他有其天然的优势帮助体会气息的奥妙，那就是万能的弹唱。我在求学的时候，老师常常和我们开这样的玩笑：“句法处理不好，去弹唱50首歌曲；基本和声感不好，去弹唱50首歌曲；律动不好，去弹唱50首歌曲。”遗憾的是，在当下的古典吉他教学中，唱和伴奏往往被忽略。然而这些都是基本素养。之所以被漠视，常因为这个貌似不够高级（我常常以此揶揄的古典吉他人的弱势心态）。要重视歌唱和伴奏，哪怕找个歌唱得好的朋友，一起合作完成一些流行歌，也能很好地帮助领会基本的和声感、呼吸、句法，最终把这些融入自己的演奏中。）

好技术的基本概念
The Basics of Good Technique
by Martha Masters 

    再好的技术指导教材或书籍也不能代替好的老师的指导。然而，如果我们在谈论对你的演奏的分析的话，我们至少应该涉及构成好的技术的基本的术语或是概念。在以下所列的不同分类事项中，我都会列举一些你必须要牢记在心的演奏者经常会犯错的基本问题。如果你曾经从你的老师那里听到过类似的担心，那么一个不错的做法就是，你在做出必要的纠正之前先要确保你的“装备”是好的（译注：此处喻指你的“技术手段和基本概念”是正确的）。你不可能穿着高跟鞋去跑马拉松；同样，如果没有好的技术手段和正确的概念作“装备”上的保障，你的演奏就不可能有效、长久。

    在演奏中等难度的片段时，你的各个关节是愉快的、健康的。要避免将你的任何关节过度的弯曲或者伸展；这样的话会导致过度疲劳，最终会造成损伤。放松的、均衡的演奏效果一定是最好的。你具体的手部的姿势、运动（以及身体）的方式取决于你个人的生理特点，因此，你还得向你的老师请教，听听他建议你的身体条件符合怎样的技术方式。

    下面我列举了一些我反复提醒我的学生（新老学生皆有）注意的事项：

坐姿：

    # 要坐正、坐直。

    # 双肩放松。你的身体任何部位的紧张都会影响你的技术和音乐表现。

   # 双脚都应平放于地面（左脚平置于脚踏）。我看见过不少演奏者喜欢用右脚后跟支撑地面（这样会形成紧张）；或者把右脚缩进椅子底下（这样会造成持琴姿势不稳）。

   # 通常情况下琴颈都应保持45°的倾角。有些演奏者会将琴颈的倾角放的稍高一些，这样可能会对左手有一定好处。但是我不建议低于45°角的持琴，因为左手在这种持琴方式下的运动会比较困难，大多数的人一开始会将他们的手臂下垂，以获取手和吉他之间更加舒适的姿势。

良好的坐姿是好的演奏的开始 

    左手，尤其是右手的所有技术关键点都会由于你的手的大小、手指的长短和形状，以及你的身材的不同而有细微的变化。再一次我要说的是：向一个好的老师请教！

 

右手技术：

# 你的手腕要相对的直（不要偏向左或右，也不要偏上或偏下）。从你的胳膊的下侧方向去看的话，整个形状略呈拱形，这是由于你的大拇指自然垂落下来在底侧形成的拱形。塌下去的手腕是你不能顺畅的弹奏而且会造成音量过小。而过度拱起的手腕会造成伤害。两者均应避免！

# 你的手臂的放置点应该在吉他的琴桥位置相一致的那个点区域。（至于你的手臂离琴体的距离要取决于你的前臂的长度）

# 所有类型的手指拨弦运动的力量的来源都应自大关节（手指和手掌连接的关节）。

# 靠弦（rest stroke）和不靠弦（free stroke）的基本运动是一样的。它们两者之间的差别来自于运动的起始位置（开始拨弦时放置手臂的位置不同）。

# 使用不靠弦（free stroke)弹法时，你的大关节应放置于你所要拨的弦的正上方，这样会让你既能充分拨弦，同时又会避开所拨的弦的相邻下一弦。许多人在开始拨弦的时候，并不能充分将右臂充分往前将大关节送至所拨弦的正上方，这样会导致不靠弦弹法时声音很单薄且音量很小，同时当使用不靠弦弹法演奏快速片段时会更加紧张。

# 使用靠弦（rest stroke）弹法时，你的大关节应放置于你所要拨的弦之后的1- 3弦处（这同样取决于你的手指的长度）。接着，随着你充分拨弦之后会直接将手指导向（靠在）下一根相邻的弦上。

# 在上述两点都做到位之后，最终在实际的演奏过程中，你还需要能在同一手臂位置情况下两种拨弦方法都能使用（因为经常在一个乐段里你根本没有时间将你的手臂前后调整转换）。虽然这与我刚刚说过的要点有所矛盾，但是谁也不能避开这个问题。通常情况下，侧重于将手臂放置在不靠弦（free stroke）弹法时的位置相，同时学会在这个位置上使用靠弦奏法（rest stroke)会是事情更简单一些。请在你的老师的指导下练习这个技术。

# 一定要确保你在靠弦（rest stroke）和不靠弦（free stroke）之间转换时，你能够清楚地区分出手臂在两者之间位置的区别。

# 从手指 / 指甲尖的左侧拨离（pluck off）琴弦。尽量做到指肉和指甲同步触弦—— 这样做会使击弦变得柔和（soften the attack），而同时又保证了很高的清晰度。你的击弦点（attack point）一定要保持一致。这些都是能够弹出很棒的声音的关键因素。

# 在练习不靠弦弹法（free stroke）时，最好在最初的练习过程中将整个的拨弦过程加以夸张的练习，以保证你的手指的运动幅度是充分的。一个不靠弦（free stroke）奏法的步骤应该分为以下几步：

1）稳固安放（找到你理想的触弦点）（译注：原文使用了plant一词，意指将某物稳固地安放在某处）

2）拨弦（pluck）

3）将拨弦手指完全朝向你的手掌心摆动。这个运动是夸张的—— 但是是有用的，它可以确保你的手指的上部（接近大关节方向）也能参与到整个拨弦运动中来。一旦你掌握你的拨弦运动发自大关节这个技术，你便可以将拨弦的运动过程调整成正常幅度。

4）立即将手指从紧张状态中完全放松。放松之后，手指会自然地反弹回你所拨弦之前。在拨弦手指摆动过程中，其它手指应保持放松；这样或许一些手指会随着拨弦手指而作同步的摆动。大拇指在其它手指拨弦时可以靠在某弦上作为定位支撑之用

# 靠弦（rest stroke）奏法的步骤和不靠弦（free stroke）一样，但是拨弦之后的摆动轨迹并不是朝向掌心，而是停靠在相邻下一根弦上。

# 拨弦以及之后的摆动的步骤很可能一开始就很好的“结合”在了一起 —— 惯性起到了作用。而下一个步骤就是要在完成拨弦运动之后立即将紧张释放。（其实，拨弦一开始就应该是紧张的释放过程，但是许多演奏者在拨弦运动之后倾向于将手指保持拨弦时的姿势，直到将它们释放）拨弦、摆动和释放从根本上说应该是种反射性的运动。最后，当你能后非常自如、连贯地完成这些步骤，你就要去减少手指从触弦（稳固安放）到考试拨弦之间的间隔时间了。在开始这个过程之前，要确保你对你的击弦点（attack）已有充分自信的把握。但是，只有你在将触弦和拨弦这个过程做成同步时，你才能真正演奏出连贯的音符来（legato）。

# 需要安放还是不需要安放—— 你现在已经知道“稳固安放”的意思了（即：在弦上找到你完美的触弦点）。你可能听到有人把“安放”说成是一种技术手段。我在这一问题上的观点是，我们的每个手指绝对应该为拨弦做好提前安放（或者叫“准备”）。在慢速的练习中，这部分动作经常意味着右手的手指在拨弦之前需接触（靠）该弦，瞬间终止该弦的振动。然而，在实际演奏连音（legato）的过程中，这种安放手指（触弦）的过程必须非常的短暂，是根本听不到的。我有时候会把这个过程称为“没有预备的拨弦”。更为精确的术语（虽然字很多）应该是“瞬时预备奏法”（instantaneously prepared strokes），因为拨弦之前手指不去触弦是根本不可能的（也没这个必要）。这种“安放”的动作只不过变成了瞬间的动作，但是如果演奏者的基础非常扎实的话，这种触弦点仍然是非常结实的。所以，需要“安放”？是的。不过你要做得非常迅速！

# 练习右手拨弦的最好的方法是在空弦上非常慢的弹奏（或许四分音符弹奏50的速度吧）。弹奏时，仔细观察你的右手；弹奏时，一定要细心体会你的手指感觉；同时要仔细倾听你的发声。如果弹奏过程中有什么问题，这种慢速的练习会让你有时间分析你所不喜欢的东西，然后在下次拨弦时尝试另外一种方法。逐步地修正完善你的拨弦直到你的拨弦连贯一致。总是要尽可能地使你的拨弦得到漂亮的音色、充分的动态以及完美的一致。

左手技术：

# 许多人都觉得左手在第7把位时最容易确立他们的姿势，因为胳膊在那个位置可以最自然的悬挂。我建议就从这个把位开始检验你的左手的技术，将你的手指（1-4）放在第7品至第10品的第一弦上。

# 手腕需保持顺直，不偏左、偏右或偏上、偏下。

# 掌心应与吉他的琴颈（指板）平行；并比较接近指板，但是不应过分与指板接触；且与琴颈处于近似的一个水平面上（不要太高，也不要过低与琴颈）。最后一个要点有可能在弹奏低音弦的时候回有些许变化—— 你可能需要将手掌稍稍抬高于吉他的琴颈平面。

# 你的胳膊/ 肘部应随着身体自由移动以支撑手腕/ 手掌的各种姿势。常见的错误：将你的肘部紧贴身体（与手腕偏离）；将你的肘部过分的送出，从而远离你的身体（这样做会造成你的掌心不能保持与指板平行）。

# 你的拇指（通常用其指尖关节处支撑）应当放在于琴颈背后第一弦和第六弦中间的位置。无论你在哪个把位演奏，拇指应总是放在比那个把位的起始品高一品的位置。比如，如果你在第七把位上演奏，拇指就应该大致放在第八品的指板后面。拇指过分向左（外）会造成第3和第4指失去平衡和力量，我们大多数人的这两个手指本身就不具备什么优势。

# 各指应总是保持完全的独立。比如，应避免1指按弦时2指“附着”在1指上。

# 所有的手指都应保持略微的弯曲状（尤其要留意你的第4指），因为紧绷关节会导致失去（对左手的）控制。要特别留意第3、4指的指尖关节和中间关节，因为如果左手未经过良好训练的话，这些关节最容易塌陷。

# 一般而言，我们要使用指尖按弦。过分使用指肚（肉垫部分）按弦会干扰相邻的弦的发音，我们演奏多声部的作品时，这会是个大问题。我的第2和第3，我的第1指的指尖左侧有茧子，我的小指指尖的右侧长有茧子（此处的左右是从正面看我演奏的方向看）。这表明我们的手指在按弦时呈扇形，就像它们把这些品都用扇面遮住一样。手指的精确放置十分取决于不同的具体情况。

   左手常见的错误之一就是过度的紧张（用力）。解决这个问题的关键在于加强意识感。关于“意识感”的概念和训练我们随后有专门的章节话题细说。现在，我们来做一个小小的加强”意识感”的练习。在这个练习中，我们先由一个手指开始（任何手指、任何品、任何音符都可以），最初左手不用任何的压力，同时右手拨弦。逐步的增加左手的压力直到得到一个清晰的、结实的音符。你可能会感到意外：原来得到一个清晰的音符所需要的压力其实非常的小。如果你有过分用力的问题，那么建议你加强按弦压力意识感的训练。不过，只有专注并保持有耐心的慢练才能解决问题，改变目前的状况。

# 另外一个左手的问题是不按弦的手指的过分运动。手指应总是与指板保持近距离，而不是将其中一两个手指“释放”至远离指板的“偏远”地带。这种情况通常是紧张的体现，它将你的手指带出了“随时准备”按弦的区域。最好的、速度最快的演奏者的手指往往看起来几乎不怎么移动。练习弹过音符之后手指立即放松，让你的手指按过某个音符之后立即悬在该弦上方，然后在朝下一个音符移动。

# 换把也是一个常见的大问题，即便是对于一个左手技术已很成熟的人来说也是如此。换把时，你的左手的演奏方式必须保持一致。否则，你就等于在练习太多的技术，讲之前的一种方法的经验削弱，从而降低了演奏的精准度。当你换把时，要确保你的胳膊随着你的手部位置的需要而移动支撑。要保证你的拇指随之运动（不要落在换把速度之后）。

#  换把时遇到的另外一个问题是许多演奏者会倾向于太过匆忙，着急地用力猛抓下一个新的和弦，这样感觉不好，而且声音一点也不好听。解决这个问题的最好的办法就是将动作分解五个过程：1. 弹奏第一个和弦；2. 将力度放松掉（先不要急着移动）；3. 换至新的把位（但是不要急着抓按下一个和弦）；4. 重新在新的和弦上施加压力（但是右手先不要拨弦）；5. 演奏新的和弦。使用节拍器反复、系统地练习这个过程。当你感到换把能够完全放松时，逐步地开始将这5个步骤结合在一起（演奏/ 放松；换把；重新施压；演奏...然后，演奏/放松；换把/ 重新施压；演奏... 然后，演奏/ 放松/ 换把/ 重新施压；演奏...最后，用一气呵成完成换把动作）。如果你能非常系统地对待这个练习，而且每个环节做到完美之后才继续往下进行的话，你的换把应该是放松的而且会得到很大的提高。

# 练习基本左手姿势的最好的方式是通过演奏简单的半音阶练习（这样不用担心你下一个要弹什么音符—— 尽量弹得简单这样你变可能将注意力集中在你的技术上）。从某个把位的某跟弦开始。当你在这根弦上稳定之后，然后练习横跨三根弦演奏；然后练习横跨六根弦演奏（这是注意观察你的左手在横跨六根弦的过程中是如何与琴颈的平面产生轻微的变化的）。接着尝试在某根弦上演奏时进行换把；接着尝试横跨三根弦后换把；接着尝试横跨六根弦后换把。每一步都增加了演奏的复杂性，这些都是你在以后的高级曲目中可以用的到的技术，但是这些技能需要你在最基础的水平阶段首先掌握。

# 在了解了以上所有的要点后，要记住，实际演奏中，所有以上的“规则”都有可能（而且也应该）完全被打破。你应当将这些规则当做是指导性的原则，你如果觉得有必要打破它们，一定要非常清楚你打破规则的充分的理由，并且找你的老师把把关。

     最后一个你应当考虑的重要要点是：你使用左右手的技术越是一致、稳定，你的演奏就越是精准。如果你的双手不断地改变角度来演奏吉他，你的演奏将永无休止的复杂、困难。你的技术决定了你的表演能力的高度。如果你在演奏上还有什么不足，你就必须加强这些基本技术的训练从而获得控制力、精准度和你想要的速度。

音乐的神奇作用

雨果说：

“

开启人类智慧的宝库有三把钥匙，一把是数学，一把是文学，一把是音符。

”

贝多芬说：

“

音乐当使人类的精神爆出火花。音乐是比一切智慧、一切哲学更高的启示。

音乐能够为我们创造和展示一个神奇而美妙的世界。在这个世界里，你会涌现出许多美妙的想象，再呈儿时编织过的金色的梦，你会忘却生活中的种种不快，任凭温柔的微风抚弄；你会一改往昔的沉静，只觉得热血在沸腾

……

如果你细心地寻觅，你会惊讶地发现，构成这个世界的

“

基本物质

”

竟然如此简单，它只是几个最普通的符号。

这些简单而又神奇的符号，就是音乐世界。请别小看这几个普通的符号，当它们按一定的规律组合变化，并以一定的形式重新表现出来之后，就会产生摄人心魄的力量。请不要忽视这几个小小的符号，当他们以不同的运力统领不同质地的乐器时，乐器就会发出美妙奇特的声音。

音乐艺术所以具有一种感人肺腑的力，就是因为它是一种感情艺术，主要对人的感情发生作用，从感情上影响人的精神境界。著名的意大利作曲家威尔第有一句名言：

“

音乐是属于群众的，这是人人有份的。

”

人民创造了音乐，创造了万花筒般的音乐世界，并在很早以前就知道利用音乐对人类的情绪和行为的影响，造福于社会，而不是单纯供人欣赏。从中国的孔子到古希腊的柏拉图，都十分强调音乐在陶冶人的情操、净化人的灵魂等道德和社会方面的作用。投身于音乐事业的人，会在健康向上的音乐作品的影响下形成自己高尚的情操和良好的道德。

音乐是人类思维的特殊表达形式，是人类智慧的产物，一切音乐活动无不与思维发生千丝万缕的联系。苏联教育家苏姆林斯基说过：

“

音乐是思维的有力源泉，没有它，就不可能有合乎要求的智力发展。

”

达尔文在自传中写道：

“

音乐常常迫使我紧张地思考我正在研究的问题。音乐艺术特别富于形象性，鲜明的节奏和优美的旋律，使人们产生丰富的联想，调动以前的经验和知识，进行有效的思维组合，产生有助问题解决的直觉和灵感。

”

爱因斯但不是音乐家，但非常喜爱音乐，他很珍惜时间，但却毫不吝啬在音乐上花费时间，不断地从音乐中产生一个又一个

“

奇妙的想法

”

，如

“

广义相对论思想

”

便是其中之一。可见，音乐不仅能给人们美的享受，而且能启发思维，扩展想象力，有助于某种形式的创造性思维。

在音乐领域里，任何乐音的出现，都会引起人们的丰富的联想，这些音经过组合变化而形成的不论是一个粗旷、猛烈的音合团，或是一个温馨、柔和的和弦，还是一个最简单的乐句，所带给人们的遐想都会奇妙无比的。中国民间吹打乐《百鸟朝凤》，古筝曲《渔舟唱晚》，二胡曲《二泉映月》等在给人们带来音乐美感的同时，不是可以激发无限的时空联想吗？此一功能对人们形象思维能力的开发，是任何门类的文化样式不能与之比拟的。

音乐，被人誉为

“

精神食粮

”

，它能深刻强烈地作用于人的意识使人养成良好的品格，高尚的情操。庄严、肃穆的音乐可以培养出坚韧不拔的毅力，活泼、热情的音乐可以启发出积极向上的精神，在万众齐唱一支歌曲的时候，便会使演唱者在瞬息间沟通彼此的心灵，凝聚成一股坚如钢铁般的意志力量。

贝多芬认为，音乐比一切智慧，一切哲学有更高的启示力量，谁能领悟音乐的真谛，谁便能超越常人难以自拔的苦难。

当我们欣赏柴可夫斯基的《第六交响曲》时，我们一定会受到作品中那种悲哀、压抑和绝望情绪的感染，陷入深深的痛苦之中。柴可夫斯基在作品中抒发了他心中的焦虑和悲怆之情，而我们也确实感受到了他心灵深处强烈的颠动。

当我们欣赏小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》的时候，我们一定会被其中那纯朴真挚的爱情主题所感动。优美悦耳的旋律时而温和轻柔，时而热情洋溢，时而缠绵悱恻，时而又朦胧飘逸。音乐传达的这种甜美的情感始终影响着我们的情绪，引导我们去领略深蕴于整个作品里的更为深刻和动人的意境。

而当我们欣赏贝多芬《Ｆ大调奏鸣曲》时，一股清新乐观的感情便会油然而生，使人非常自然地联想起生机盎然的春天景象。